¿Cómo combinar colores complementarios? Técnicas secas de dibujo para hacer sombras y luces con lápices de colores
¿Te has preguntado alguna vez cómo algunos artistas consiguen ese impacto visual increíble en sus obras? Mucho tiene que ver con el uso inteligente y estratégico de los colores complementarios. Hoy, en Milbby, vamos a desentrañar el misterio detrás de estos colores y cómo puedes aplicarlos para transformar tus dibujos a lápiz de colores.
Con técnicas simples pero efectivas, nuestra @crisisart te guiará paso a paso para que no solo entiendas qué son los colores complementarios, sino que también aprendas a aplicarlos de manera efectiva en tus creaciones artísticas. ¡Prepara tus lápices, porque vamos a adentrarnos en un mundo vibrante y lleno de color!
¿Qué son los colores complementarios?
Los colores complementarios son aquellos que se encuentran en posiciones opuestas dentro de la rueda de colores y con ellos podemos crear algunos efectos interesantes en nuestros dibujos.
Y recuerda, en Milbby encontrarás todos los materiales de dibujo que necesitas para que tus obras destaquen. Desde lápices de colores hasta papeles especializados y guías de color, ¡todo lo que necesitas para explorar el uso de colores complementarios y más!
¿Qué es el círculo cromático?
El círculo cromático o rueda de color es la organización y representación gráfica que le damos a los colores para clasificarlos como primarios, secundarios y complementarios.
Es una herramienta interesante para trabajar con la armonía del color y ayuda a combinar colores, ya que nos aporta información, como por ejemplo:
- Conocer los colores cálidos y fríos.
- Descubrir cuáles son las combinaciones de color que se pueden hacer.
- Saber cuáles son los colores primarios.
- Conocer la máxima saturación o luz.
- Saber realizar una transición de luz.
Principales características de la rueda de colores
- Colores primarios: Rojo, azul y amarillo, los pilares sobre los que se construyen todos los demás colores.
- Colores secundarios: Naranja, verde y violeta, creados al mezclar colores primarios.
- Colores complementarios: Cada color primario tiene un complementario secundario que realza su intensidad y viceversa.
¿Para qué sirven los colores complementarios?
Los colores complementarios transforman completamente el arte, ofreciendo una variedad de ventajas que podemos aprovechar en distintos tipos de proyectos de dibujo y pintura.
¡Por cierto! Si te gusta dibujar y aún no has probado el Zentangle Art, te recomendamos que no te lo pierdas esta guía completa que explica qué es y cómo se hace el Zentangle Art. ¡No te lo pierdas!
Contraste elevado
El contraste es una herramienta clave en la composición visual, pues atrae y guía la mirada del espectador a través de la obra. Los colores complementarios, al estar en lados opuestos de la rueda de colores, ofrecen el mayor contraste posible. Este uso no solo capta la atención inmediata, sino que también puede ser utilizado para enfatizar áreas específicas de un dibujo o para hacer que ciertos elementos resalten sobre otros.
Armonía y equilibrio
Cuando los colores complementarios se usan de manera equilibrada, crean una estética placentera y dinámica. Por ejemplo, un paisaje que use azules y naranjas en el cielo puede proporcionar una sensación de atardecer tranquilo y equilibrado, que invita al espectador a contemplar la escena más detenidamente.
Versatilidad en el uso
Los colores complementarios se pueden aplicar en diversas técnicas de dibujo:
- Sombreado: Usar un color complementario puede dar profundidad y riqueza a las sombras sin perder la saturación del color base.
- Iluminación: Los colores complementarios pueden ser usados para destacar áreas con luz, añadiendo un toque de color inesperado que puede hacer que la iluminación parezca más natural.
- Neutralización: En casos donde un color sea demasiado brillante o saturado, aplicar su complementario puede reducir esta saturación de forma eficaz y elegante, evitando que la obra se sienta abrumadora o desequilibrada.
Aplicaciones de los colores complementarios en el dibujo
Ya os he contado qué son los colores complementarios y ahora nos vamos a centrar en estas tonalidades para explicar algunas aplicaciones o técnicas que podemos usar en nuestros dibujos.
A continuación, vamos a explorar cómo estos principios se aplican en el uso de lápices de colores secos. Sin embargo, si tu interés en las técnicas de dibujo va más allá y te gustaría descubrir otras maneras de expresar tu creatividad, te invitamos a leer sobre qué son los lápices acuarelables y cómo usarlos.
Oscurecimiento y atenuación de colores
El primer caso es para oscurecer un tono, es decir, superponemos o mezclamos los colores que se encuentran en posiciones opuestas de la rueda con la finalidad de apagar el color de base. Esto sucede porque de la combinación de ambos colores resulta un color gris, café, tierra o quebrado.
Lo podemos aplicar para crear las sombras de los objetos que queremos representar, como es el caso de estos 3 tarros pintados con distintos colores.
Creación de luces y sombras
El segundo caso, es para definir las luces y las sombras, sobre un color de base neutro. En este caso sobre el color gris, pintaremos las sombras con color lila y azul y las iluminaciones con sus opuestos, el amarillo y el naranja.
Reducción de la saturación
A veces, las obras altamente saturadas necesitan ser suavizadas para mejorar su impacto visual y asegurar que no resulten abrumadoras. Los colores complementarios pueden ser utilizados para neutralizar y equilibrar excesos de saturación de manera más efectiva que simplemente añadiendo negro o gris, que puede apagar la obra. Por ejemplo, si un paisaje tiene demasiado verde brillante, añadir detalles en rojo puede ayudar a moderar la saturación.
Colores muy saturados:
Resultado al disminuir la saturación:
Estas son sólo algunas ideas de lo que podemos llegar a conseguir jugando con los colores complementarios, pero seguro que se os ocurren muchas otras formas de usarlos para plasmar, a través de las técnicas secas de dibujo con lápices de colores, toda vuestra creatividad.
Espero que os haya podido enseñar algo nuevo sobre colores y técnicas que podemos ir aplicando a los dibujos. Ahora…¡A dibujar! 😉
Y si deseas más inspiración y los mejores trucos para dar vida a tus ideas, no te pierdas estos posts:
- Qué son los rotuladores calibrados: para qué sirven y cuáles son los mejores
- Cómo dibujar figuras geométricas con compás paso a paso
- 6 Consejos clave para pintar con spray
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¿Qué son los lápices acuarelables? Cómo usarlos, técnicas y cuáles son los mejores
Los lápices acuarelables no son solo simples lápices de colores; son puentes entre el dibujo y la pintura, capaces de llevar tus proyectos artísticos a nuevas dimensiones. Acompáñanos en este post para descubrir qué son, cómo usarlos, sus técnicas, y cuáles son considerados los mejores en el mercado. ¿Estás listo para inspirarte y crear con libertad? 🎨😉
¿Qué son los lápices acuarelables?
Los lápices acuarelables son una evolución fascinante de los tradicionales lápices de colores. A diferencia de estos últimos, que se basan en una mina de pigmento mezclada con cera o aceite, los lápices acuarelables incorporan componentes solubles en agua. Esta característica única permite que, al mezclarse con agua, imiten el efecto transparente y fluido de las acuarelas, ofreciendo una dualidad entre el control del lápiz y la espontaneidad de la pintura acuarelada.
Utilizados tanto en seco como en húmedo, estos lápices son la herramienta ideal para artistas que buscan agregar detalles precisos, juegos de luces y sombras, y efectos de textura a sus obras.
Este tipo de lápices son utilizados por muchos artistas como complemento a la acuarela tradicional, ya que con ellos se pueden realizar muchos detalles que con el pincel no se puede, como por ejemplo destellos y reflejos del agua, juego de luces y sombras, etc…
Diferencia entre lápices acuarelables y lápices de colores secos
Los lápices acuarelables están diseñados para disolverse y mezclarse con el agua, permitiendo efectos similares a las acuarelas. En cambio, los lápices de colores secos, hechos a base de cera o aceite, ofrecen una aplicación más firme y controlada, sin la capacidad de ser diluidos. Cada tipo tiene su lugar en el mundo del arte, dependiendo del efecto y la técnica deseada. A continuación, desglosamos algunas de las diferencias clave:
Composición:
- Lápices acuarelables: Contienen componentes solubles en agua, lo que permite que al mezclarlos con agua imiten el efecto fluido y transparente de las acuarelas.
- Lápices de colores secos: Su mina se compone de pigmentos mezclados con cera o aceite, ofreciendo una aplicación más firme y controlada sin capacidad de ser diluidos.
Aplicación:
- Lápices acuarelables: Pueden ser utilizados tanto en seco como en húmedo.
- Lápices de colores secos: Se aplican en seco.
Efectos artísticos:
- Lápices acuarelables: Facilitan la creación de detalles finos, juegos de luces y sombras, y efectos de textura mediante el uso del agua.
- Lápices de colores secos: Ideal para trabajos detallados y técnicas de sombreado sin el uso de agua, manteniendo la intensidad del color y la precisión. Descubre aquí las mejores técnicas secas de dibujo con lápices de colores.
Tipo de papel recomendado:
- Lápices acuarelables: Requieren papeles con un gramaje adecuado que soporten la aplicación de agua sin deteriorarse.
- Lápices de colores secos: Funcionan bien en una variedad más amplia de papeles, desde grano fino para detalles sutiles hasta grano grueso para efectos texturizados.
Estas diferencias resaltan la importancia de elegir el tipo adecuado de lápiz en función del efecto deseado y el estilo de arte.
Si eres un apasionado del dibujo, en Milbby encontrarás todo el material de dibujo necesario para dar vida a las obras maestras más vibrantes y detalladas. ¿A qué esperas?
¿Cómo usar lápices acuarelables?
Utilizar lápices acuarelables abre un mundo de posibilidades creativas, permitiéndote combinar la precisión del dibujo con la fluidez y belleza de la pintura acuarelada. Para sacar el máximo partido a estos versátiles instrumentos, sigue estos pasos y consejos:
- Elige el papel adecuado: Comienza seleccionando un papel para acuarela con un gramaje igual o superior a 190gr. Este tipo de papel está diseñado para manejar la humedad sin deformarse, lo que es muy importante para las técnicas acuarelables. En Milbby, ofrecemos una amplia gama de papeles y blocs para acuarela que son perfectos para trabajar con lápices acuarelables.
- Prepara tu espacio de trabajo: Antes de empezar a dibujar, asegúrate de pegar tu papel a una superficie plana y lisa utilizando cinta de carrocero. Esto evita que el papel se curve o se mueva mientras trabajas.
- Dibuja en seco: Comienza tu obra coloreando el dibujo en seco. Experimenta mezclando y combinando colores en diferentes áreas para crear efectos únicos. La aplicación en seco te permite controlar la intensidad y la mezcla de colores antes de añadir agua.
- Introduce el agua: Moja un pincel de acuarela (redondo y suave) o utiliza un pincel con depósito de agua para pasar suavemente por encima de las áreas que deseas acuarelar. Recuerda limpiar el pincel cada vez que cambies de color para mantener la claridad de los tonos. Empieza desde el centro del dibujo hacia afuera para evitar que los colores se mezclen involuntariamente.
- Retoques finales: Una vez que el área acuarelada se haya secado, puedes añadir detalles finales. Según el efecto deseado, puedes reactivar algunas áreas con más agua o dejar ciertas partes en su estado seco original para contraste y profundidad.
Otras técnicas y trucos con lápices acuarelables
Además de las técnicas básicas, hay otros métodos y trucos que puedes emplear para añadir dimensiones únicas y efectos sorprendentes a tus obras. Aquí te presentamos algunas técnicas avanzadas para experimentar:
Técnica de húmedo sobre húmedo
- Preparación del papel: Comienza humedeciendo el papel o una zona específica de este. Esta técnica crea un efecto suave y difuminado, ideal para fondos o para crear atmósferas etéreas.
- Aplicación del color: Una vez que el papel esté húmedo, moja ligeramente un pincel fino y frótalo sobre la mina del lápiz acuarelable hasta que las cerdas se impregnen con el pigmento. Aplica el color sobre el papel húmedo para ver cómo se dispersa y se mezcla suavemente, creando efectos vibrantes y llenos de vida.
Creación de fondos texturizados
- Texturizando con lija: Para un fondo innovador y texturizado, toma la punta de un lápiz acuarelable y lija suavemente sobre el papel usando una lija de grano muy fino. Repite el proceso con varios colores, esparciendo los pigmentos en diferentes áreas del papel.
- Activación del pigmento: Con los pigmentos ya esparcidos en el papel, utiliza un pincel húmedo para activar los colores. La interacción del agua con los pigmentos pulverizados creará un efecto único, mezclando los colores de manera impredecible y resultando en un fondo con texturas y matices sorprendentes.
¿Cuáles son los mejores lápices acuarelables?
Desde los más pequeños de la casa hasta los artistas profesionales. A continuación, te presentamos los mejores lápices acuarelables clasificados por categorías de uso:
Para uso escolar
- Alpino, Crayola, Staedtler, Bruynzeel: Ofrecemos una gama que incluye opciones en cajas de 12, 24, y hasta 45 y 60 colores para uso escolar.
- Serie roja de Faber Castell: Disponible en cajas de 12, 24, 36, y 60, esta serie es una excelente opción para quienes buscan una introducción de calidad al color en el ámbito académico.
Para principiantes en el dibujo
- Windsor and Newton: Estos lápices de mina gruesa ofrecen colores vibrantes y una textura suave que facilita la mezcla, ideales para quienes se inician en el dibujo y la pintura. Disponibles en estuches de metal de 6, 12, 24, y 48.
- Derwent: Se pueden usar en seco o en húmedo, con colores llamativos, perfectos para la creación de una gran variedad de efectos. La marca también incluye lápices pastel para aquellos interesados en explorar diferentes medios.
Para profesionales
- Faber-Castell Polychromos: Con minas de aceite que ofrecen una cremosidad excepcional y una amplia gama de colores (120 disponibles), estos lápices se mezclan maravillosamente entre sí. La calidad general y la posibilidad de trabajar por capas hacen de estos lápices una opción preferida por muchos profesionales.
Estos lápices tienen una gran calidad general y con un poco de práctica, se pueden conseguir muy buenos efectos de difuminado y mezcla, al trabajarlos por capas. También se puede utilizar algún tipo de disolvente para diluirlos. Por otra parte, al ser más duros, es mucho más fácil dibujar y pintar detalles sin necesidad de afilarlos constantemente.
- Faber-Castell Albrecht Dürer: Considerados entre los mejores lápices acuarelables disponibles en el mercado, destacan por la vibrante intensidad de sus colores y la capacidad de mezclarlos para conseguir nuevos tonos. Su alta calidad asegura que no presentan problemas de rotura de minas ni pérdida de intensidad, permitiendo trabajar con muchas capas. Disponibles en packs de 12, 24, 36, 60, y hasta 120.
En Milbby, estamos comprometidos con inspirar y equipar a los artistas de todas las edades. Descubre la selección completa y elige los lápices acuarelables que llevarán tu arte al siguiente nivel. ¡Te esperamos!
Si eres amante del dibujo, sigue leyendo el blog para más inspiración y consejos que encenderán tu pasión creativa.
- Guía Completa del Zentangle Art: Qué es, modalidades y cómo se hace correctamente
- Cómo dibujar figuras geométricas con compás paso a paso
- Guía completa del dibujo manga: materiales, soportes y herramientas imprescindibles
- Qué son los rotuladores calibrados: para qué sirven y cuáles son los mejores
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Guía Completa del Zentangle Art: Qué es, modalidades y cómo se hace correctamente
Quizá hayas oído hablar del Zentangle, o lo hayas visto a través de nuestras redes sociales y te apetezca probarlo, pero no sabes muy bien qué es ni cómo se hace… Pero no te preocupes, porque precisamente por eso hemos creado este post. Aquí cubriremos TODO lo que necesitas saber sobre qué es el Zentangle, desde su origen hasta sus modalidades e indicaciones de cómo hacerlo. ¡Prepárate para sumergirte en una forma de arte que no solo embellecerá tu mundo, sino que también ofrecerá un refugio tranquilo para tu mente! 😊
¿Qué es el Zentangle?
El Zentangle es una innovadora forma de arte que nació entre 2007 y 2008. A diferencia de las tradicionales técnicas de dibujo que a menudo buscan lograr la perfección estética o capturar la realidad, el Zentangle se aleja de estos objetivos para centrarse en el proceso creativo como una forma de relajación y meditación.
No fue hasta 2010 cuando esta técnica comenzó a captar la atención mundial, transformándose en un fenómeno que hoy en día sigue creciendo en popularidad.
El concepto del “Zentangle” fue concebido por Maria Thomas y Rick Roberts, quienes se dieron cuenta del potente estado de concentración y serenidad que Maria alcanzaba mientras dibujaba patrones repetitivos en sus manuscritos. Esta observación les llevó a desarrollar un método que combinara la meditación con la creación artística, accesible a todos, independientemente de su experiencia o habilidades artísticas previas.
Lo que distingue al Zentangle de otras formas de arte es su enfoque en los “tangles”. Estos son patrones estructurados que se dibujan con una intención y atención plena, fomentando un estado meditativo. Los tangles se componen de líneas, puntos, curvas y círculos que se repiten de manera aparentemente aleatoria, pero que en realidad siguen una serie de pasos sencillos y deliberados.
El Zentangle se presenta como una práctica de arteterapia. Si te encuentras fascinado por la idea de utilizar el arte y las manualidades como una forma de terapia, no te pierdas nuestro post con las mejores ideas de manualidades para relajarse.
Beneficios del Zentangle Art
El Zentangle Art es mucho más que una simple técnica de dibujo; es una vía de escape hacia la tranquilidad y la meditación. Entre sus múltiples beneficios, destacan:
- Reduce el estrés: La concentración requerida para seguir los patrones del Zentangle ayuda a centrar la mente promoviendo un estado de meditación.
- Mejora la concentración: Al requerir atención al detalle, practicar Zentangle mejora tu capacidad de concentración.
- Fomenta la creatividad: Aunque se basa en patrones, el Zentangle permite infinitas combinaciones, impulsando tu creatividad.
- Para todas las edades y niveles de habilidad: No necesitas ser un artista experimentado para comenzar.
- Satisfacción y logro: Completar un diseño de Zentangle ayuda a fomentar la confianza en tus habilidades artísticas.
¿Qué necesitas para empezar?
A diferencia de otras formas de arte que pueden requerir una amplia gama de materiales costosos o difíciles de encontrar, el Zentangle se distingue por su accesibilidad. Todo lo que necesitas son unos pocos materiales básicos para comenzar tu viaje hacia la relajación y la creatividad.
¿En qué papel se dibuja el Zentangle?
El Zentangle original se realiza en cuadrados de papel de 89mm, un tamaño pequeño pero perfectamente adecuado para este tipo de arte. Este tamaño no es arbitrario; está diseñado para ayudarte a concentrarte en el proceso creativo sin la presión de llenar un gran espacio en blanco. Además, la finalización de un Zentangle en este formato es relativamente rápida, aproximadamente 30 minutos, lo que proporciona una sensación inmediata de logro y satisfacción.
Aunque el Zentangle tradicional se realiza en cuadrados de papel de 89mm, también puedes experimentar con papel blanco de alto gramaje. En Milbby, encontrarás una amplia selección de blocs y papeles para dibujo, ¡ideales para llevar tus dibujos Zentangle a un nuevo nivel!
¿Con qué se dibuja el Zentangle?
La herramienta esencial para dibujar un Zentangle es el rotulador fino de color negro o rotulador calibrado. Los rotuladores calibrados vienen en diferentes grosores, permitiéndote jugar con la textura y el peso visual de tus patrones. Te recomendamos visitar nuestro post sobre qué es un rotulador calibrado y consejos para su uso.
La elección de rotuladores en lugar de lápices subraya uno de los principios fundamentales del Zentangle: no hay errores, solo oportunidades. Este enfoque fomenta la aceptación y la exploración creativa, permitiéndote relajarte completamente en el proceso de dibujo sin la preocupación de “corregir” tus obras.
Cómo hacer Zentangle: Guía para principiantes
Esta forma de arte es accesible para todos, independientemente de su experiencia artística previa. Si buscas una forma amena y terapéutica de expresarte, el Zentangle es una excelente opción. Aquí te presentamos una guía sencilla para que comiences tu propia exploración del Zentangle, paso a paso.
¿Cómo se dibuja correctamente el Zentangle?
Es una pregunta trampa, porque realmente no hay manera correcta del todo de hacer Zentangle. Sí es verdad que hay un estilo más tradicional que cumple unos requisitos y sin el cual el Zentangle se quedaría sin unas directrices claras que harían que cualquier garabato pudiera ser considerado así.
Deja fluir el trazo sin pensarlo demasiado
Siguiendo el estilo puro de Zentangle original, no se debe perseguir ningún fin estético ni hacer dibujos figurativos, puesto que lo más importante es la relajación y no centrarse en lo que se dibuja sino en el propio proceso de dibujo, el rotulador sobre el papel fluyendo.
De este modo, al no juzgar como corrientemente se hace con nuestras propias obras, el dibujar se convierte en un proyecto casi meditativo. Así que uno de los puntos más importantes para hacer Zentangle correctamente es no perseguir la perfección.
Pasos para dibujar patrones Zentangle
- Prepara tu espacio. Elige un lugar tranquilo y cómodo con buena iluminación. Ten a mano tu papel de 89mm (o el papel de alto gramaje que prefieras) y un rotulador fino negro.
- Marca los límites. Dibuja cuatro puntos en las esquinas del papel y únelos con líneas ligeras para formar un cuadrado. Este será tu lienzo.
- Crea una “cuerda”. Con un trazo suave y ondulante, divide tu cuadrado en varias secciones. Esta línea imaginaria guiará tus patrones.
- Empieza el tangle. Selecciona un patrón para empezar y rellena una de las secciones de tu cuadrado. No pienses demasiado; deja que tu mano fluya.
- Continúa a tu ritmo. Llena cada sección con un patrón diferente, o repite el mismo patrón con variaciones. Experimenta con diferentes densidades y contrastes.
- Añade detalles finales. Una vez hayas llenado todas las secciones, puedes añadir sombras o resaltar ciertas áreas para dar profundidad a tu diseño.
Para aquellos que se inician en esta técnica, existen kits como el “Set Zentangle 5 Patrones Herramientas Sakura“, que ofrecen todo lo necesario para comenzar con el pie derecho. ¿A qué esperas?
Modalidades de Zentangle Art
Estas modalidades permiten que cada uno encuentre su propio camino en el arte del Zentangle, adaptándolo a sus preferencias y necesidades creativas.
Zentangle tradicional
El Zentangle tradicional es la forma original y más pura de esta práctica. Se caracteriza por el uso de cuadrados de papel blanco de 89mm y rotuladores finos negros para crear patrones repetitivos o “tangles”. Esta modalidad se centra en la simplicidad, la meditación y el proceso de dibujo, más que en el resultado final.
Zentangle en cuadrados negros y tinta blanca
Esta variante del Zentangle ofrece un dramático contraste visual, invirtiendo los colores tradicionales para trabajar con tinta blanca sobre papel negro. Los cuadrados negros proporcionan un fondo sorprendente que hace que los patrones blancos resalten, creando una apariencia única y cautivadora. Esta modalidad puede ser especialmente atractiva para aquellos que buscan explorar el juego de luces y sombras en sus composiciones.
Zentangle con color
Para los artistas que desean experimentar con color, esta modalidad amplía el espectro creativo del Zentangle. Incorporar colores puede hacerse de varias maneras: utilizando rotuladores de colores finos para dibujar los tangles, rellenando los patrones con acuarelas, rotuladores, lápices de colores o cualquier otro material preferido.
Zentangle más figurativo
Esta modalidad combina la estructura del Zentangle con la libertad del dibujo figurativo. En lugar de limitarse a cuadrados abstractos, los artistas utilizan formas reconocibles como marcos para sus tangles, como animales, plantas o cualquier objeto de inspiración.
Esta aproximación permite una fusión interesante entre la precisión del Zentangle y la expresividad del dibujo figurativo, ofreciendo un nuevo nivel de creatividad y desafío.
Zentangle en papeles más grandes
Mientras que el formato tradicional se centra en pequeños cuadrados de papel, algunos artistas prefieren trabajar en formatos más grandes (A3, A4, A5, etc.). Esta modalidad es ideal para proyectos más ambiciosos, permitiendo la creación de obras complejas y detalladas que pueden incorporar múltiples patrones y técnicas. Los papeles de gran tamaño ofrecen un lienzo expansivo para la exploración artística, aunque requieren más tiempo y concentración.
Tanto si prefieres la simplicidad del Zentangle tradicional o la riqueza visual del Zentangle con color, esta forma de arte ofrece un espacio infinito para la experimentación, el crecimiento personal y la expresión creativa. Así que, ¿a qué esperas para sumergirte en este mundo de patrones, colores y formas? Empieza tu viaje de Zentangle hoy y descubre todo lo que puedes crear y experimentar. ¡El momento es ahora!
Continúa encontrando tu musa en nuestro blog, donde compartimos las mejores técnicas y consejos para llevar tu creatividad al siguiente nivel:
- Cómo dibujar figuras geométricas con compás paso a paso
- Tipos de pinceles que hay y para qué sirven
- Técnicas fáciles con pintura acrílica
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Cómo dibujar figuras geométricas con compás paso a paso
¡Bienvenidos a un mundo donde la creatividad no conoce límites! Hoy en Milbby, de la mano de @crisisart, nos adentraremos en el fascinante universo de los dibujos geométricos, explorando cómo simples formas pueden transformarse en obras de arte asombrosas.
Cris, quien previamente nos enseñó cómo pintar un mural en exteriores con pintura en spray, vuelve para enseñarnos a dominar el arte de dibujar figuras geométricas de manera fácil y espectacular.
Tanto si buscas inspiración para tu próxima obra de arte o simplemente quieres disfrutar del proceso creativo, este tutorial está diseñado para encender esa chispa creativa en ti. Así que, sin más preámbulos, ¡os dejamos con ella! 😉
Materiales para aprender a dibujar figuras geométricas
Para aprender a dibujar figuras geométricas, lo primero que necesitas es tener a mano los siguientes materiales de dibujo:
- Un compás. Yo voy a utilizar el Compás Micrométrico Adaptable de Talens.
- Rotuladores calibrados o de precisión. Yo uso el Rotulador Negro Pigma Micron Sakura de diferentes grosores.
- Un bloc de dibujo adecuado para acuarelas. Recomiendo este Bloc para Acuarela Espiral A4 30 Hojas 200gr. Milbby.
- Acuarelas, como esta Caja de 24 Acuarelas Cotman Painting Plus Winsor & Newton.
Para que tus dibujos geométricos brillen con color, echa un vistazo a nuestra colección de acuarelas. Son perfectas para jugar con colores vivos, sombras y gradientes, ¡y hacer que tus creaciones destaquen!
Dibujos con figuras geométricas fáciles paso a paso
Vamos a sumergirnos en el arte de crear dibujos usando figuras geométricas simples, como círculos y semicírculos, que se entrelazan formando composiciones encantadoras. A continuación, te guiaré a través de tres de mis diseños favoritos, explicando cada paso para que puedas recrearlos fácilmente. ¡Toma nota!
Cómo dibujar una flor geométrica con compás
Vamos a dibujar una flor geométrica paso a paso usando nuestro compás:
- Empezaremos dibujando un círculo de 1,5 cm de radio en el centro de un cuadrado de 6×6 cm.
- Después, traza una línea recta dividiendo el cuadrado por la mitad tanto vertical como horizontalmente (a los 3 cm). El punto donde estas líneas se cruzan con el círculo central marcará los centros de los próximos círculos que dibujaremos, resultando en un círculo central, dos más a izquierda y derecha de éste, y otros dos arriba y abajo.
- A continuación, añadiremos cuatro círculos más para completar la flor, situando sus centros en las intersecciones de los círculos que ya tenemos en las esquinas superior derecha, superior izquierda, inferior derecha e inferior izquierda.
Con esto, ¡la estructura básica de nuestra flor está lista! Ahora solo queda personalizarla a tu gusto. Yo suelo repasarla con un rotulador calibrado, añadiendo líneas y círculos adicionales para darle ese toque final único. Visita nuestro siguiente artículo para saber más sobre qué son y para qué sirven los rotuladores calibrados.
Cómo dibujar una flor de la vida paso a paso
Para dibujar la flor de la vida, una figura geométrica fascinante, empezaremos de manera similar a nuestro dibujo anterior:
- Dibuja un círculo dentro de un cuadrado, utilizando las mismas dimensiones.
- El siguiente círculo que trazaremos será con centro en la intersección de la mitad del cuadrado con el primer círculo, también es el mismo paso que en la figura anterior.
- Continúa este proceso, dibujando más círculos siguiendo el mismo método, hasta que completes la línea.
- Seguidamente, crearemos otra línea de círculos en la parte superior, tomando como centro la intersección del primer círculo con la mitad del cuadrado.
- Acabaremos de rellenar todo el espacio teniendo en cuenta que deberemos salirnos del cuadrado para que después quede un estampado bonito.
Finaliza tu obra repasando los contornos con un rotulador de tinta china, y si lo deseas, agrega detalles personalizados para darle tu toque único.
Si te apasiona dibujar más flores, asegúrate de ver nuestro tutorial sobre cómo dibujar una flor de Pascua. ¡Te esperamos!
Cómo dibujar una estrella de 8 puntas con compás
Vamos a crear juntos una estrella de 8 puntas, un dibujo que parece complicado, pero es realmente fácil y divertido de hacer. Solo necesitas tu compás, un poco de paciencia y ganas de aprender. ¡Empecemos!
- Dibuja un cuadrado de 6×6 cm para comenzar. Este será el marco de referencia para tu estrella.
- Trazamos dos círculos de 3 cm de radio, uno a cada lado del centro del cuadrado, a la izquierda y a la derecha.
- Continuamos trazando 2 círculos más arriba y abajo del cuadrado, manteniendo el mismo radio de 3 cm. Marcaremos también las diagonales y los centros del cuadrado.
- Seguidamente dibujaremos 4 círculos más con centro en las esquinas del cuadrado. Asegúrate de que el radio de tu compás se extienda hasta el centro del cuadrado, creando círculos que se superpongan y sean más grandes que los anteriores.
¡Ya tenemos lista esta estrella! Para finalizar, repasa y define la estrella con un rotulador Micron 04, añadiendo detalles, sombras, y coloreando algunas áreas si lo deseas. Estos toques finales harán que tu estrella destaque y cobre vida.
Para dar el toque final, te invito a darle color con acuarelas. Así, podrás transformar estos dibujos en estampados únicos para tus proyectos de manualidades. Mira este diseño que te muestro 👇; creo que sería perfecto para la portada de un álbum o cualquier otra creación que tengas en mente.
Dejad volar vuestra imaginación y veréis ¡qué preciosos resultados os van a salir! 😍 Espero que os haya gustado la idea y llenéis las redes sociales con vuestras flores, estrellas y cualquier creación que os inspire.
Tutorial realizado por @crisisart (Instagram)
Continúa alimentando tu creatividad con estos artículos de nuestro blog. ¡Te esperan!
- ¿Qué es el Zentangle y cómo se hace correctamente?
- ¿Cómo aplicar pintura textil?
- Tipos de pinceles y cuál elegir
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Qué son los rotuladores calibrados: para qué sirven y cuáles son los mejores
¿Estás listo para conocer una herramienta que transformará por completo tu forma de dibujar y escribir? Los rotuladores calibrados son mucho más que simples herramientas de dibujo. Son el secreto mejor guardado de los artistas y amantes del diseño, ofreciendo una precisión y control incomparables que te permiten plasmar tus ideas con una claridad asombrosa. Desde el dibujo técnico hasta el arte más expresivo, estos rotuladores son tu pase de entrada a un universo de posibilidades creativas.
Sigue leyendo para descubrir todo lo que puedes hacer con ellos y algunos consejos para sacarles el máximo provecho. También te contamos cuáles son los mejores entre la amplia variedad de opciones que puedes encontrar en el mercado. ¡Descúbrelo aquí mismo!
¿Qué es un rotulador calibrado?
Imagina tener en tus manos un instrumento capaz de fusionar la versatilidad de una pluma con la precisión de un láser. Los rotuladores calibrados son exactamente eso: herramientas de escritura y dibujo diseñadas para ofrecer un control incomparable.
La característica más distintiva de estos marcadores radica en su punta especial, que, aunque delicada, es increíblemente resistente, garantizando un trazo suave y fluido en cada movimiento. Estos rotuladores vienen en una amplia gama de anchos de línea, desde 0,1 mm hasta 1,00 mm, lo que los convierte en la elección ideal para cualquier proyecto creativo que requiera precisión y detalle.
Tanto si estás delineando líneas definidas en un dibujo técnico como si estás añadiendo toques artísticos a una ilustración, los rotuladores calibrados se convierten en tus aliados indispensables para dar vida a tus ideas con una exactitud asombrosa.
¿Para qué sirven los rotuladores calibrados?
Los rotuladores calibrados son tan versátiles que pueden ser utilizados por cualquier persona, desde principiantes hasta profesionales experimentados. Su facilidad de uso los convierte en herramientas indispensables para una amplia gama de aplicaciones creativas.
Desde el contorno de dibujos hasta técnicas más avanzadas como el puntillismo o el Zentangle, aquí te detallamos algunos de los usos más comunes de los rotuladores calibrados:
Ilustración, comic y manga
–Marcado de caras o figuras: Los rotuladores calibrados son ideales para delinear con precisión los contornos de personajes en ilustraciones, cómics o mangas.
–Creación de líneas de contorno distintivas: Permiten realizar líneas de contorno más gruesas que las líneas del interior, añadiendo profundidad y definición a tus dibujos.
Diseño de moda y dibujo artístico
–Creación de sombras y profundidades: Gracias a la variedad de tamaños de puntas disponibles, los rotuladores calibrados permiten generar sombreados y efectos tridimensionales en tus diseños y dibujos.
Dibujo técnico
–Ideales para realización de planos: En el ámbito del dibujo técnico, los rotuladores calibrados son esenciales para trazar líneas limpias y precisas, siendo fundamentales en la creación de planos y otros documentos técnicos.
Te recomendamos que también visites nuestro post sobre “Tipos de lápices de grafito“, otra herramienta imprescindible para los amantes del dibujo técnico.
Street Art o Graffiti
-Contorno de letras para dar volumen: Antes de aplicar el color, los rotuladores calibrados son utilizados para trazar los contornos de letras en graffiti, añadiendo volumen y efectos visuales a tus obras urbanas.
Lettering
–Rellenar espacios en negro de manera uniforme: Especialmente con rotuladores calibrados de punta pincel, como el Uni Pin Brush, que permiten trazar líneas sueltas y rellenar áreas con un negro uniforme y preciso. Si aún no estás familiarizado con esta técnica, te invitamos a leer nuestro artículo sobre el arte del lettering y sus beneficios.
Puntillismo
–Creación de obras a base de puntos: Esta técnica artística, realizada con puntos de diferentes grosores, se logra con la delicadeza en la presión de la punta del rotulador contra el papel, permitiendo un control total sobre la cantidad de tinta depositada.
Zentangle
–Creación de patrones intricados y relajantes: Los marcadores calibrados son herramientas perfectas para el arte Zentangle, permitiendo dibujar patrones detallados y repetitivos que fomentan la relajación y la concentración.
Si estás buscando formas de desconectar del día a día y liberar estrés a través de la creatividad, te invitamos aquí a conocer todo sobre las mejores manualidades y técnicas de relajación. ¡Descubre cómo las manualidades pueden convertirse en una terapia para el alma!
Tips para usar el rotulador calibrado correctamente
Los rotuladores calibrados son muy duraderos, pero deben ser utilizados de la manera correcta, por lo que damos las siguientes recomendaciones:
- Cuidado al destapar y tapar: Manipula los rotuladores con cuidado para evitar dañar la punta. Tanto al destapar como al tapar, asegúrate de hacerlo suavemente.
- No ejerzas demasiada presión: Recuerda que más presión no significa trazos más intensos. Utiliza una presión moderada para obtener los mejores resultados y prolongar la vida útil del rotulador.
- Tapar después de cada uso: Siempre asegúrate de tapar correctamente el rotulador después de utilizarlo. Aunque pueden permanecer destapados durante un periodo corto (aproximadamente una hora y media), es importante taparlos adecuadamente para evitar que se sequen.
- Elige el grosor adecuado: Utiliza los rotuladores más finos para trazos claros y definidos, y los más gruesos para crear sombras y profundidad en tus dibujos.
- Controla la distancia entre líneas o puntos: Para obtener diferentes tonos y niveles de intensidad, ajusta la distancia entre las líneas o puntos que trazas. Cuanto más juntas estén, más oscuro será el resultado final.
Los mejores rotuladores calibrados
Entre la amplia variedad de rotuladores calibrados disponibles, los Uni Pin destacan por su calidad y versatilidad.
Los rotuladores calibrados Uni Pin ofrecen una experiencia única gracias a su punta especial de Poliacetal, un material resistente que garantiza una fluidez y deslizamiento excepcionales. Disponibles en un rango de anchos que van desde 0,03 mm hasta 0,8 mm, incluyendo la opción de punta pincel BRUSH, y una variedad de tonos, estos rotuladores son la elección perfecta para profesionales y principiantes por igual.
- Con su diseño de alta calidad, son ideales para una amplia gama de aplicaciones, desde dibujo profesional hasta artístico, manga y escritura. Ofrecen trazos nítidos y suaves.
- La tinta pigmentada de estos rotuladores es altamente resistente al agua, lo que significa que una vez seca, no se borrará ni siquiera si se expone a la humedad. Esta característica los hace perfectos para trabajar con acuarelas.
- Además, estos rotuladores calibrados son altamente duraderos y resistentes a la luz, lo que asegura que el color no se desvanezca incluso cuando están expuestos a la luz directa. Pueden ser utilizados en cualquier tipo de papel y, gracias a su diseño desechable, son prácticos y fáciles de usar.
En Milbby, ofrecemos una amplia selección de rotuladores calibrados Uni Pin en diferentes colores y anchos, incluyendo negro, gris oscuro, gris claro y sepia BR (punta pincel) en los tamaños 0,1 y 0,5mm.
Encuentra la herramienta perfecta para tus proyectos creativos y déjate inspirar por la calidad y versatilidad de los rotuladores calibrados.
Sigue leyendo sobre las mejores técnicas y herramientas para tu arte favorito en nuestro blog:
- Tipos de sprays de pintura para graffiti
- Los mejores pinceles para acuarelas
- Técnicas fáciles con pintura acrílica
En Milbby te invitamos a descubrir un universo sin límites para explorar tu creatividad y ser más feliz. ¡Únete a nuestra comunidad de creadores apasionados! Entra en nuestra web o acércate a alguna de nuestras tiendas y descubre la mejor selección de productos para inspirarte y crear sin límites.
Si tienes alguna pregunta, comentario o sugerencia, contáctanos a través de nuestro servicio de atención al cliente. ¡Te esperamos! 😉
6 Consejos clave para pintar con spray
Descubre los secretos para dominar el arte de pintar con spray con estos 6 consejos esenciales. Desde la elección de la boquilla adecuada hasta la técnica de aplicación, aprende cómo lograr resultados profesionales y expresivos en tus proyectos de arte urbano.
| 1. Batir la pintura: | 2. Los guantes y mascara: |
| Agita cada bote durante al menos 15 segundos para evitar problemas de funcionamiento. Desatasca la bola mezcladora suavemente si es necesario. | Guarda los guantes junto a los aerosoles y lleva al menos 3 de repuesto. Ponte los guantes adecuados según la situación y recuerda recolocarlos correctamente si los reciclas, recuerda es importante utilizar una mascara de pintura a poder ser con filtro sobre todo en lugares con poca ventilación. |
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| 3. El primer disparo: | 4. El último disparo: |
| Realiza un disparo al aire o en una superficie de prueba antes de pulverizar para evitar problemas de secado y descuelgue de la pintura. | Si no vas a utilizar el aerosol por un tiempo, purga la boquilla invirtiendo el bote y disparando hasta que no salga pintura. |
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| 5. Transporte: | 6. Protección de la ropa: |
| Transporta las latas en posición vertical y evita llevarlas en bolsas de papel o cartón para evitar daños. | Utiliza un mono de plástico para proteger tu ropa favorita, dale la vuelta o cúbrelo con bolsas de plástico. Si manchas la ropa, repinta las manchas con un color similar. |
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Estos consejos te ayudarán a minimizar problemas y pintar con mayor eficiencia. ¡Disfruta de tus creaciones urbanas!
Aprende de acuarelas de la mano de Cristina Luengo con productos de Winsor & Newton
En este artículo, te presentamos un tutorial para realizar proyectos creativos con acuarelas metálicas. La creadora de contenido de arte, Cristina Luengo, será nuestra guía. Las acuarelas metálicas de Winsor & Newton son ideales para agregar detalles a tus láminas y dar viveza a tus ilustraciones en papel negro.
Materiales que vamos a utilizar
– Acuarelas metalizadas
– Pinceles de punta redonda de diferentes tamaños
– Block black mixed media A4
Primeros pasos
Antes de comenzar a dibujar, es importante tener una idea clara de lo que se va a crear y cómo se distribuirá en el papel. Debido a que las acuarelas metálicas tienen una textura viscosa debido al pigmento, es recomendable mezclarlas con agua antes de pintar para tener un mayor control. Además, se debe pintar de arriba hacia abajo para evitar chocar con áreas que ya se están secando.
Para pintar hojas, es importante comenzar con poca presión en el pincel y aprovechar la punta fina. Para crear hojas más definidas, se debe aplicar más presión y levantar poco a poco el pincel para simular la forma de una hoja. Se pueden alternar las formas de las hojas según la cantidad de presión aplicada.
Con estos pasos simples, podrás crear hermosas ilustraciones con acuarelas metálicas.
Además de pintar hojas, también podemos crear flores utilizando la misma técnica. Sin embargo, debemos tener cuidado al pintar los pétalos ya que están más cerca unos de otros y no queremos que se mezclen con otras áreas pintadas. Comenzamos pintando los pétalos más pequeños en la parte inferior y los más grandes en la parte superior, teniendo cuidado de no colocar la mano sobre las áreas pintadas mientras se están secando.
Para crear diferentes efectos y texturas, podemos utilizar diferentes pinceles y técnicas de aplicación. Por ejemplo, podemos agregar más agua a las acuarelas para crear un efecto degradado o salpicar agua sobre la pintura húmeda para crear una textura interesante.
En caso de que cometamos un error y los pétalos se mezclen debido al espacio entre ellos, es posible solucionarlo. Para ello, podemos utilizar un pincel de punta fina mojado en agua y luego secado para quitar el exceso de agua y evitar que el color se extienda a otras áreas. Luego, pasamos el pincel cuidadosamente sobre la zona donde queremos borrar la pintura. Es importante hacerlo mientras la pintura todavía no se ha secado por completo.
Es normal cometer errores en el proceso creativo y esto no debe desanimarnos. Siempre hay formas de solucionar los errores y aprender de ellos. Con la práctica y la experimentación, iremos mejorando nuestras habilidades y obteniendo resultados cada vez más satisfactorios en nuestros proyectos de bellas artes.
Para terminar podemos añadir todo complemento que queramos en nuestro paisaje, nosotros hemos añadido una mariposa con el color azul, el resultado es brutal.
Experimentar con diferentes técnicas y materiales es una parte importante del proceso creativo en las bellas artes. ¡No tengas miedo de probar cosas nuevas y dejar que tu creatividad fluya!
Os dejamos el link directo al vídeo de nuestro canal, por si queréis ver el paso a paso:
Art Journal y Mixed Media
Si te apetece conocer un poco sobre esta parte del mundo creativo o ya lo conoces y quieres ver lo que he preparado, sigue leyendo y al final encontrarás el vídeo del proceso.
Lo primero de todo es saber qué es un art journal, y es un cuaderno de arte, por así decirlo, en el que podemos expresarnos utilizando técnicas de MIXED MEDIA.
Vale, ¡más palabras en inglés!
Por mixed media entendemos mezclar un montón de medios, como pinturas acrílicas, acuarelas, rotuladores, lápices, sellos, tintas, pastas, gesso… ¡Lo que sea!
Lo genial de este tipo de actividades es que no hay ni normas, ni perfección, ni imperfección. No hay que medir y seguir ningún tutorial (a no ser que busques inspiración).
Se trata de sacar lo que llevamos dentro, despertar nuestro lado mas creativo de forma libre. Dibujos, lettering, un collage… de la forma que sea y según lo que nos apetezca ese día.
Lo suyo es utilizar un cuaderno específico para art journal, con las hojas gruesas que resistan todo lo que vamos a utilizar, o comprar hojas sueltas, gorditas, de 300gr al menos y fabricárnoslo nosotros.
El que voy a utilizar yo es el de Jane Davenport y es específico para ello.
De hecho, os dejo un listado de los materiales que he utilizado y que os iré mencionando durante el post:
- Cuaderno Jane Davenport.
- Pintura acrílica Americana en varios colores.
- Espátula Talens 3011.
- Spray pintura blanca Carrotcake by Vallejo.
- Pasta de textura negra Carrotcake by Vallejo.
- Pasta de textura blanca Carrotcake by Vallejo.
- Stencil ladrillos.
- Rotulador Posca blanco.
- Micron 08 negro.
- Lápices de colores Staedtler.
- Acuarelas Winsor and Newton de viaje.
Una vez claros estos conceptos, ¡vamos a la práctica!
Lo primero que voy a hacer es impregnar toda la página de color. Con ayuda de esta espátula, que es lo más, aplico el pintura acrílica Americana de varios colores dejando una fina capa, que se va a secar enseguida.
Después echo pintura blanca con el spray de Carrotcake y queda un efecto grafitti.
¡Pasamos a ensuciarnos las manos!
Con la pasta de textura de arena negra de Carrotcake y mi propio dedo, hago manchas a lo largo de la página.
Con esto busco un poco de contraste además de dar diferentes texturas.
Una vez seco, cojo mi pasta de textura blanca de Carrotcake, y con un stencil con forma de ladrillos chulísimo, la aplico usando la misma espátula de antes, por varias partes de las hojas.
El efecto es sutil y me gusta muchísimo.
Como esto va de mezclar materiales, utilizo las acuarelas de Winsor and Newton para dar unos toques amarillos que contrasten con el resto utilizando un pincel.
Con el rotulador blanco Posca, que es maravilloso, dibujo estrellas pequeñitas por todos lados, formando estelas.
Y con el rotulador negro calibrado Micron 08 hago unas rallas en los bordes de las hojas para enmarcar un poco el trabajo.
Utilizo el mismo rotu para escribir una frase que me parece que va genial con la página.
Con los lápices de colores Staedtler, que son súper duros y para pintar por encima de texturas van genial, hago más dibujitos para dar detalles sutiles al trabajito.
Por aquí os dejo el vídeo del proceso, que es posible que os parezca más sencillo de entender u os inspire más.
¡Ha sido un placer estar por aquí!
¡Os mando un beso enorme!
Laura Inguz
Bandeja de resina y Pouring
Que ganas teníamos de volver por aquí y más todavía con un día tan especial como el día de la madre. La idea que os proponemos es un regalo personalizado para mamá con una técnica tan resultona y bonita como es el pouring, pero mejor que hablar, vamos a ponernos con ello ya mismo!
Hemos elegido el juego de banderas con canto redondo de Artemio ya que así podemos hacer una combinación con dos de ellas o con tres. Nosotros hemos elegido la pequeña y la mediana.
Materiales
- Set de 3 bandejas con canto redondo Artemio
- Kit descubrimiento pouring de Pebeo
- Resina cristal de Pebeo
- Cricut Maker
- Vinilo blanco
- Pintura acrílica blanca
- Pincel plano
Antes de comenzar hemos pintado todo el borde la bandeja con pintura acrílica blanca para después crear contraste con el marmoleado que haremos en el fondo. Esta pintura se seca muy rápido por lo que en mientras seca, podemos comenzar a preparar nuestra mezcla de pouring.
El kit de pebeo es ideal para probar por primera vez con esta técnica, ya que incluye todo lo que necesitamos.
Como sabéis está técnica se puede crear de varias formas distintas, nosotros hemos comenzado aplicando un poco de pintura de cada uno de los cuatro colores en cuatro vasitos distintos y en cada uno de estos vasos hemos añadido también 3 gotitas de aceite de silicona (que es el componente que nos ayudará a que no se mezclen las pinturas entre si y a conseguir este acabado tan bonito).
A continuación removemos y añadimos a un nuevo vasito la mezcla que hemos realizado de los cuatro colores pero sin remover. Es desde este vaso desde donde verteremos en la bandeja para conseguir el efecto. Es importante que poco a poco movamos la bandeja para conseguir que la mezcla cubra toda la superficie y llegue a todos los rincones. Se pueden aplicar pequeñas gotitas en las esquinas para ayudar a cubrir todo el espacio.
A continuación dejamos secar bien (al menos un par de horas).
Para proteger más nuestras bandeja y poder poner encima incluso cosas calientes vamos a aplicar encima una fina capa de resina epoxi.
Para prepararla y aplicarla es aconsejable utilizar guantes -estos ya vienen en el propio pack-. Para ello, y con ayuda de los vasos medidores, ponemos dos partes del líquido A (en nuestros caso 60ml) y una parte de la botella B (30ml). Removemos bien y dejamos reposar un par de minutos para que se eliminen las posibles burbujas que nos hayan podido salir.
Limpiamos bien la superficie de la bandeja y vertemos la mezcla de resina epoxi. Del mismo modo que hemos hecho antes con la mezcla de pouring, vamos moviendo la bandeja con cuidado para conseguir que llegue a todas las esquinas y se cubra por completo toda la superficie.
Ahora sí, dejamos secar bien en un lugar protegido y completamente plano durante, al menos, 24 h.
Aprovechando estos tiempos de secado, vamos cortando con nuestra Cricut el mensaje que queremos poner en nuestra bandeja. Hemos elegido un pequeño trocito de la letra de la canción de Rigoberta Bandini, Ay Mamá.
La hemos recortado en vinilo blanco para que combine con los bordes de nuestra bandeja y al mismo tiempo también haga contraste con el fondo. Lo pegamos bien sobre el sitio que más nos guste y nuestra bandeja ya está lista para ser utilizada. Este tipo de vinilos permanente aguanta super bien los usos y queda perfecto para crear elementos decorativos.
¿Qué os parece? Una bandeja que siempre que la use mamá nos recordará y que incluso se puede utilizar como decoración.
Esperamos que os haya gustado y que os animéis con la vuestra propia bandeja!!!
Cómo aplicar pintura textil | Flores en tela
¡Es primavera y el cuerpo lo sabe!
Se nota en las horas del día, las flores y el buen tiempito. Y se nos ha ocurrido que vamos a coger todo esto y lo vamos a meter en nuestro estudio creativo, en nuestro rinconcito de casa en el que nos gusta crear, diseñar e inventar. ¡Estamos seguros que te va a encantar!
Hoy os traemos tres planes perfectos para organizar y decorar tu espacio creativo. ¡Tres!
¡Vamos a pintar con pintura textil! La pintura textil es muy versátil, funciona como un acrílico normal y su acabado en tela es una verdadera explosión de colores. ¿Sabes cómo usarla? Te damos algunos consejos:
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- Utiliza pinceles para acrílicos, límpialos previamente con agua y jabón para evitar restos de usos anteriores.
- Puedes mezclarlas, crear colores nuevos, aclararlos u oscurecer los que ya tienes.
- Remueve tu pintura antes de usarla.
- Utiliza telas limpias, planchadas (evita arruguitas). Algunas marcas como Pebéo te recomiendan fijar la pintura con un planchado de 5 minutos con plancha, otras como Vallejo, no lo necesitan.
- Deja secar tus piezas textiles entre 24 y 48 horas para que la pintura seque al completo.
- ¡Recuerda! No laves tus piezas textiles a más de 40º. ¡Así mantendrás la viveza de color y líneas de diseño! Ahora sí
Toma nota de los materiales que hemos usado y haz clic en los enlaces para conocer los productos:
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- PINCELES ACRÍLICOS
- PINTURA TEXTIL VALLEJO
- PINTURA TEXTIL PÉBEO
- PAPEL CARBÓN
- PALETA DESECHABLE
- ESTUCHE ARTEMIO
- ORGANIZADOR DE PARED
- AGUA
- BANDERÍN DE TELA hecho a mano. (Este nos lo hemos hecho nosotros porque somos unos locos de las banderitas, prueba a hacer el tuyo!)
- PAPEL DE COCINA
- DESCARGABLE: Os hemos preparado el diseño que hemos hecho para el post, puedes descargarlo y modificarlo a tu gusto. Diseño banderín
Recuerda, aunque vamos a pintar tres elementos textiles (estuche, banderín y organizador de pared) y la forma y la técnica puedes aplicarla a cualquier pieza textil. Os vamos a enseñar dos “estilos diferentes” de pintura e ilustración textil.
PRIMER ESTILO: BANDERÍN DECORATIVO
¡No te olvides de descargar la ilustración que hemos diseñado para él!
- Estira el banderín o pieza textil sobre una superficie plana. Si está arrugado, plánchalo previamente. Las arrugas no se llevan bien con la pintura y los pinceles.
- Coloca el papel de calco/carbón por el lado correcto: la parte gris por delante y el negro puro apoyado en el banderín.
- Encima del papel de calco, coloca el descargable y, con un lápiz, repasa toda la ilustración. Hazlo bien fuerte, sin llegar a romper el papel, pero asegurándote que se marca todo el contenido en el textil.
- Cuando llegues a la parte floral, sólo marca las siluetas de las flores, crasas y cactus. ¡Por ahora no hacen falta los detalles!
Quedaría así:
Saca tus pinceles y empieza a pintar la ilustración en la tela. Siempre, comienza a pintar de izquierda a derecha y de arriba abajo. Vas a “colorear” con pintura textil la huella/calco que has dejado en la pieza.
Mezcla el uso de pinceles de punta fina y alargada con lengua de gato para las porciones más anchas de las letras y las siluetas de las flores.
Cuando esté perfectamente pintado todo… ¡Déjalo secar durante 4 horas para darle la segunda capa, el delineado de las flores! ¡Ahora sí! A mano alzada y con pincel finito, vas a ir tomando pintura textil negra para dibujar los detalles de cada una de las flores y cactus.
¡Mira!
SEGUNDO ESTILO: ORGANIZADOR Y ESTUCHE
Aunque continuamos con los diseños florales, vamos a hacer un diseño un poquito más “libre y expresivo”. Igualmente, descarga las ilustraciones más abajo, para que puedas basarte en ellas.
Comenzamos con el organizador de pared: Para nosotros es fundamental tener bien organizado todas nuestras herramientas de trabajo, por lo que, al tener tantos bolsillos hemos dedicado uno para cada cosa y, a base de lettering, hemos dibujado en cada bolsillo: Acuarelas (watercolor) Pinceles, Brushpens, herramientas (tools) y acrílicos. También lo hemos personalizado con nuestro nombre… ¿Te animas a personalizar el tuyo?
1. Descarga las ilustraciones e imprímelas, vamos a centrarnos en las letras. Con el papel carbón, redibuja como te hemos explicado antes, las letras sobre el textil. Puedes descargarlas a continuación:
2. Una vez estén pintadas “calcadas” vamos a empezar a pintar con nuestra pintura textil. Recuerda: siempre de izquierda a derecha y de arriba abajo.
3. ¡Toca centrarse en las florecitas! En el descargable verás unas huellas grises tras las flores. Elige tus colores favoritos y pinta con tu pincel lengua de gato, formas aleatorias como puedes ver en la imagen
4. Al mismo tiempo que pintas las figuras traseras de colores, pinta en color negro las letras dibujadas.
5. Déjalo secar 2-3 horas.
6. ¿Todo está perfectamente seco? ¡Coge tu papel carbón y tu descargable y pinta, sólo, las flores sobre las formas que has pintado de colores y pincel.
No hace falta medir en exceso ni que esté perfectamente la flor sobre las formas de color, la idea es que esas formas decoren “por detrás” los diseños florales”.
Mientras que hemos pintado el organizador, al mismo tiempo, también hemos pintado el estuche. Siguiendo exactamente los pasos que te acabamos de enumerar. ¡Mira que bonito!
Te dejamos también el descargable, por si también te apetece aplicar estas técnicas en este estuche.
¿Te atreves a decorar tu espacio creativo? ¡Estamos seguros de que estás deseándolo!
Si te ha gustado este tutorial, no dudes en probarlo, compartirlo con tus amigas… ¡Enséñanos tus resultados por redes sociales!
